Jeroen Verbruggen über Kunst, Zweifel und die Energie eines neuen Ensembles
Im Gespräch mit Roma Janus, Dramaturgin und Leiterin von TANZ LINZ, erzählt der belgische Choreograf Jeroen Verbruggen von seinem künstlerischen Weg, seinen Eindrücken vom Ensemble TANZ LINZ und darüber, warum sein Stück Amor & Psyche? mehr fragt als es beantwortet.
Jeroen Verbruggen bringt mit Amor & Psyche? erstmals eines seiner Werke nach Österreich. Seine Tanzkarriere führte ihn vom Royal Ballet of Flanders zum Ballet d’Europe in Marseille und schließlich zum Ballet de Monte Carlo, wo er zehn Jahre lang tanzte und sich zum Choreografen weiterentwickelte. Seit 2014 hat er über 40 Choreografien für klassische und zeitgenössische Ensembles geschaffen.
Sie arbeiten erstmals mit TANZ LINZ. Wie kam es zu dieser Zusammenarbeit?
Ich habe bisher noch nie in Österreich choreografiert oder meine Arbeit hier gezeigt, daher freue ich mich besonders auf diese Gelegenheit. TANZ LINZ ist ein starkes und vielseitiges Ensemble mit einer beeindruckenden Bandbreite an Stilen und Persönlichkeiten.
Schon in der Casting-Woche spürte ich, dass diese Tänzer:innen eine ganz eigene Energie mitbringen – sehr anders als die Compagnie in Mannheim, wo Amor & Psyche? im Jahr 2022 uraufgeführt wurde. Jede:r bringt eine andere Farbe, ein anderes Temperament und eine andere Sensibilität mit. Ich genieße es sehr, zu entdecken, wie sich das auf die Textur des Werks auswirkt. Für mich geht es immer eher um Qualität als um Quantität.
Wird es Änderungen bei Amor & Psyche? mit TANZ LINZ geben?
Ja, absolut. Ich sehe jede Wiederaufnahme als Chance, ein Stück mit neuen Augen zu betrachten. TANZ LINZ hat zwei Tänzer:innen mehr als die ursprüngliche Besetzung, daher möchte ich für sie eine neue Rolle schaffen. Für mich geht es nie darum, ein Werk einfach zu reproduzieren, sondern es mit der Energie der neuen Künstler:innen weiterzuentwickeln. So bleibt Tanz lebendig.
Wie würden Sie Amor & Psyche? beschreiben? Was erwartet das Publikum in Linz?
Das Werk ist keine klassische Nacherzählung des antiken Mythos. Es ist vielmehr eine Reflexion – eine Frage. In Amor & Psyche? (und ja, das Fragezeichen ist beabsichtigt) besucht eine junge Frau eine Art museale Ausstellung über den antiken Mythos und erkennt nach und nach, dass sie selbst Psyche ist. Es ist eine Reise der Selbstfindung, des Lernens, sich selbst zu lieben, gespiegelt in verschiedenen musikalischen Texturen und Kontrasten zwischen Instrumenten und Komponisten. Das Stück endet mit einer offenen, ungelösten Frage, inspiriert von Charles Ives. Er erinnert uns daran, dass nicht alles im Leben beantwortet werden muss. Amor & Psyche? ist ein sehr persönliches Werk. Es ist eine Art emotionale Rückkehr – eine Meditation über Liebe, Verletzlichkeit und Selbstakzeptanz.
Der Mythos von Amor und Psyche
Die Geschichte von Amor und Psyche stammt aus dem spätantiken Roman Metamorphosen des Apuleius. Sie bildet das Zentrum des Romans und erzählt von der sterblichen Psyche, deren Schönheit die Göttin Venus herausfordert. Amor verliebt sich in sie, doch ihre Beziehung unterliegt einem Tabu: Psyche darf ihn nicht sehen. Als sie dieses Verbot bricht, verliert sie ihn und muss Prüfungen bestehen, bevor ihre Liebe anerkannt und Psyche in den Kreis der Unsterblichen aufgenommen wird. Der Mythos beschreibt damit nicht nur eine Liebesgeschichte, sondern eine Reise zu Selbstwahrnehmung, Vertrauen und innerer Reife.
Obwohl sämtliche Motive des Mythos vorkommen – das Ungeheuer, die drei Schwestern, das Verbot, die Trennung und die Prüfungen – geht es nicht um deren erzählerische Darstellung. Die Bilder sind da, aber verschoben: Nicht die romantische Liebe steht im Zentrum, sondern die Frage der Selbstliebe.
Ihre Arbeit ist bekannt für die Verbindung von Bewegung, Musik und Theatralität. Wie setzen Sie das hier um?
Ich konzipiere meine Stücke oft wie ein Musikalbum – mit unterschiedlichen Stilen und Komponist:innen. Verschiedene musikalische Texturen und Instrumente spiegeln die emotionalen Kontraste des Stücks wider. Hier ist das die Musik von Lukas Foss, Ralph Vaughan Williams, Jimmy López, Charles Ives, Thomas Adès, Gabriel Fauré, J. P. von Westhoff und Alkistis Protopsalti, gespielt vom Bruckner Orchester Linz unter der Musikalischen Leitung von Ingmar Beck.
Ich lasse die Tänzer:innen vom Anfang bis zum Ende auf der Bühne, um ihnen eine durchgehende Reise zu ermöglichen. Das Werk ist sehr körperlich, aber auch theatralisch. Es geht darum, Gefühle zu erleben, nicht alles zu verstehen. Tanz ist wie Musik – man muss ihn fühlen.
Musikalisch ist das Stück eine Suche: Wir wandern nicht durch Genres, sondern durch Klangfarben. Am Ende stehen die Trompeten von Charles Ives, die wie Fragen in den Raum gestellt werden – und die Flöten, die darauf antworten. Genau deshalb trägt das Werk ein Fragezeichen im Titel: Es fragt – Was ist Liebe? – und überlässt die Antwort der Wahrnehmung des Publikums.
Und wie sieht die visuelle Welt von Amor & Psyche? aus?
Das Kostümdesign stammt von Emmanuel Maria. Er brachte eine einfache, aber magische Idee mit, die wir auch in die Bühne integriert haben. Ich liebe diese Form von Zusammenarbeit, wenn verschiedene künstlerische Handschriften ineinandergreifen. So entsteht etwas Größeres als die Summe seiner Teile.
Was wünschen Sie sich vom Linzer Publikum?
Ich hoffe, dass die Zuseher:innen bereit sind, sich auf das Stück einzulassen, ohne alles verstehen zu wollen. Amor & Psyche? ist eine Einladung zum Fühlen, Hinterfragen, Reflektieren. Liebe und Selbstfindung sind wunderschöne Geheimnisse – man sollte sie nicht zu sehr erklären wollen.
Ab 31. Jänner 2026, Großer Saal Musiktheater
Jean-Paul Sartre war ein französischer Philosoph und Schriftsteller und eine zentrale Figur des Existentialismus im 20. Jahrhundert. Sein Denken beschäftigt sich mit Freiheit, Verantwortung und der Frage, wie Menschen ihrem Leben Sinn geben.
Am 13. Juni feiert in der BlackBox des Musiktheaters ein besonderes Projekt Premiere: Das Spiel ist aus, das neue Tanzstück von Lilit Hakobyan, entstanden mit TANZ LINZ im Rahmen des Produktionspreises des 39. Choreografie Wettbewerbs Hannover. Bereits zum zweiten Mal vergibt das Landestheater Linz diesen Preis und ermöglicht damit einer Choreografin mit der Compagnie ein eigenständiges Werk zu entwickeln.
„Stell die Teller weiter zum Tischrand, dass in der Mitte mehr Platz für das Essen ist.“ – Die Schwiegermutter meint es doch „nur gut“. Ein harmloser Hinweis hier, eine kleine Korrektur dort. Mal geht es eben darum, wie man den Tisch deckt, mal darum, wie man das Kind anzieht, oder wie man mit dem eigenen Sohn spricht. Nichts davon wirkt brutal oder böse. Und doch entsteht durch solche Belehrungen ein Klima, in dem man sich als Adressat:in klein vorkommt. Man hat das Gefühl, ständig unter Beobachtung zu stehen und wird dadurch unsicherer.
Kennen Sie den Bechdel-Test? Er besteht aus drei Fragen, anhand derer festgestellt werden kann, wie frauenfeindlich ein Film oder ein Theaterstück ist. Erfunden hat ihn die amerikanische Comiczeichnerin Alison Bechdel 1985, als Schnelltest, ob ein Spielfilm wert ist, angeschaut zu werden. Die Fragen lauten: Gibt es mindestens zwei Frauenrollen? Sprechen sie miteinander? Reden sie miteinander über etwas anderes als über einen Mann? Falls Sie diese Fragen zum ersten Mal hören, gebe ich Ihnen etwas Zeit, sie auf sich wirken zu lassen.
Geschichten über Walter Kaufmann schreiben sich eigentlich von allein. Das ist zumindest das Gefühl, das entsteht, wenn man sich auch nur oberflächlich mit seiner Biografie auseinandergesetzt hat (und dabei Informationen über einen australischen Schriftsteller, der in der DDR lebte und einen deutsch-amerikanischen Philosophen als Namensvetter des Komponisten ausgesiebt hat). Denn der Komponist, Violinist, Pianist, Arrangeur, Musikethnologe und Hochschullehrer Walter Kaufmann führte ein langes Leben, das bestimmt war durch die Verwerfungen und politischen Extreme des 20. Jahrhunderts.
Ödön von Horváth teilt das Schicksal vieler (wenn nicht aller) österreichischen Theaterklassiker: Wie bei Arthur Schnitzler, Thomas Bernhard und Elfriede Jelinek (um nur die zu nennen) werden seine Stücke, wenn nicht gleich verboten, so doch bei ihrem Herauskommen als Nestbeschmutzungen verschrien. Das werden sie aber nur, um wenige Jahrzehnte später in das Kernrepertoire der österreichischsten aller Bühnen, des Theaters in der Josefstadt aufgenommen zu werden (und damit geradewegs ins immaterielle österreichische Kulturerbe). Man könnte sagen, wenigstens an dieser Merkwürdigkeit ist Ödön von Horváth unschuldig. Er ist aber auch darüber hinaus ein entschieden doppelgesichtiger Autor, dessen Person und Werk von Widersprüchen häufig wie zerrissen scheint.
Passend zum Spielzeitmotto So Alt wie Jung und der Frage nach dem Aufeinandertreffen von Generationen stellt sich Intendant Hermann Schneider den Fragen von Alina (10), Anna (11) und Marvin (9). Im Gespräch erzählt er von seinen überraschenden Karriereschritten, vom Kindheitstraum „Papst“ und davon, warum er heute lieber Operninszenierungen plant als privat ins Theater zu gehen. Er gibt Einblicke in die Arbeit hinter den Kulissen, erklärt, warum jede Aufführung ein Unikat ist, und zeigt, was Theater für ihn und sein Publikum so unvergleichlich macht.
Die Grundlage für den Musical-Klassiker Wonderful Town ist eine Serie von Kurzgeschichten im Magazin New Yorker über Abenteuer, die die junge Ruth McKenney und ihre Schwester Eileen erlebten, nachdem sie 1934 von Ohio ins New Yorker Greenwich Village gezogen waren. In ihren Geschichten war Ruth die „smarte, ernsthafte“ der Schwestern, Eileen die „hübsche, naive“. 1938 fasste Ruth die Stories unter dem Titel My Sister Eileen zusammen.
1940 adaptierten Joseph Fields und Jerome Chodorov die Geschichten für ein Broadway-Schauspiel und wenig später als Film. Ihr Plan, den Stoff auch noch als Musical herauszubringen, erwies sich allerdings als äußerst schwieriges Unterfangen. Produzenten, Stars und Songwriter kamen und gingen – oder wurden gegangen.