Gespräch mit Choreograf Johannes Wieland zur Premiere von neuzeit geführt von Lauren Rae Mace und Roma Janus
In neuzeit, dem neuesten Stück von Johannes Wieland, ist die Zeit, die Suche nach einem Ausweg, das kontrollierende Zeitgefüge zu sabotieren, das leitende Narrativ seiner choreographischen Auseinandersetzung.
Lauren Rae Mace: Was bedeutet der Titel neuzeit für dich?
Johannes Wieland: Ich habe das Gefühl, wir kommen als Weltgemeinschaft an einen Punkt, an dem wir elementare Entscheidungen treffen müssen: Befähigen wir uns weiter, in einer intakten Umwelt zu bestehen und uns als Spezies weiterzuentwickeln. Oder wollen wir sehenden Auges ins Verderben rennen? Wir positionieren uns, aufgeteilt in Länder, strategisch – aber ist das überhaupt noch zeitgemäß? Sind ein unterschiedlicher Wertekanon und die Kultur die unauflösliche Antwort auf die Frage, ob es Grenzen geben muss? Die neue menschenfeindlichere Zeit wird kommen, wenn wir nicht energisch gegensteuern. Das ist nicht unbedingt fatalistisch, sondern eher realistisch. Und sie wird, gemessen an erdgeschichtlichen Entstehungszeiten, einen sehr kurzen Zeitraum umfassen. Die Krise wird nicht auf einen günstigen Zeitpunkt warten, sie wird einfach kommen. Und sie wird in der Zeitspanne eines Menschenlebens erfahrbar sein, so, wie ihre Ansätze schon jetzt spürbar sind. Diese vorhersehbare Zäsur sollte uns nachdenklich stimmen. Sie sollte uns alle dazu bewegen, umzudenken, jeder für sich, in alle Richtungen. Denn es gibt auch das Prinzip Hoffnung. Wir haben die Fähigkeiten, unsere Technologie und unseren Intellekt zu nutzen. Wir dürfen nur nicht in die falsche Richtung sehen. Es ist unsere Entscheidung.
Lauren Rae Mace: Wie würdest du deine Ästhetik definieren? – Deine Handschrift?
Johannes Wieland: Andere können das besser beschreiben, ich bin da zu nah dran. Allerdings gibt es Themen, die sich in meiner Arbeit immer wiederfinden lassen, die mich vorrangig interessieren. Dazu gehören die Bereiche Psychologie und Wissenschaft. Die Umsetzung variiert und ist immer themenabhängig. Ich mag keine Schubladen und genieße die Freiheit, die ich mir nehme.
Lauren Rae Mace: Welche kompositorischen Methoden benutzt du, um ein Stück zu kreieren?
Johannes Wieland: Ich denke, jede Idee stellt andere Anforderungen, die nicht ich bestimme, sondern, wie gesagt, die Idee. Ich versuche nur, mich zurechtzufinden. Das bedeutet nicht, dass ich kein Konzept oder keine Idee habe, welche Kompositionselemente ich benutzen will. Aber es bedeutet, dass man spüren muss, wie sich die Gruppe während des kreativen Prozesses entwickelt, wo man die Schwerpunkte setzt. Ich arbeite grundsätzlich gerne mit Aufgaben, die die Darsteller:innen und Tänzer:innen als Ausgangspunkt nehmen. Daraus entwickeln wir gemeinsam weiterführende Ideen. Es gibt nicht unbedingt die eine Methode, die für jedes Stück funktioniert. Und ich habe ein langjährig erprobtes, fantastisches Team, welches mich sehr unterstützt. Das besteht hier in Linz aus Lauren Mace, Dramaturgin, und Victor Rottier als choreografischer Assistent.
Lauren Rae Mace: Wenn du „Zeitlosigkeit“ in einem Bild definieren könntest, wie sähe es aus?
Johannes Wieland: Ich kann das nicht. Zeitlosigkeit ist für mich gegenstandslos. Allerdings gibt es Entsprechungen, wie zum Beispiel ein leerer weißer Raum.
Lauren Rae Mace: Kannst du ein interessantes Buch, einen Film oder ein Musikstück empfehlen, das dich zu einigen Ideen in neuzeit inspiriert hat?
Johannes Wieland: Ja, das Buch Your Brain Is A Time Machine: The Neuroscience and Physics of Time von Dean Buonomao ist ein wirklicher Eye-opener. Aber nach wie vor ist auch der Klassiker, die populärwissenschaftliche Veröffentlichung von Stephen Hawking, A Brief History of Time, eine unerschöpfliche Inspirationsquelle. Beide Bücher lassen einen demütig werden.
Lauren Rae Mace: Was sind die zentralen Leitgedanken für das Bühnenbild?
Johannes Wieland: Die Vergangenheit, die Gegenwart, die Zukunft und die Zeitlosigkeit als Ausgangspunkt, als Projektionsfläche für Reflexionen.
Lauren Rae Mace: Wird es eine Originalmusik geben? Welche Soundelemente sind zu erwarten?
Johannes Wieland: Donato Deliano wird in Zusammenarbeit mit mir eine elektronische Originalkomposition mit Bezügen zu schon bestehender Musik erarbeiten.
Lauren Rae Mace: Welche Rolle spielt der Schauspieler Horst Heiss vom Landestheater Linz in der Produktion?
Johannes Wieland: Ich tue mich ein bisschen schwer, in einem Stück ohne lineare Geschichtenerzählung eine „Rolle“ zu benennen. Er hat aber natürlich eine exponierte Position, weil er mit Text und nicht nur mit Bewegung umgehen wird – allerdings sind die Übergänge, auch für die Tänzer:innen, in dem Stück fließend.
Lauren Rae Mace: Wie ist es für dich, zum ersten Mal mit dem Ensemble des Landestheaters TANZ LINZ zu arbeiten?
Johannes Wieland: Es ist immer spannend, neue Menschen kennenzulernen. Die Tänzer:innen hier am Haus haben mich sehr offen und vertrauensvoll empfangen. Das ist eine sehr gute Ausgangsposition. Denn im Prozess ist gegenseitiges Vertrauen, neben Risikobereitschaft, Eigeninitiative und Neugier, die wichtigste Voraussetzung. Es macht mir Spaß, mit ihnen zu arbeiten und zusammen auf eine Entdeckungsreise zu gehen.
Lauren Rae Mace: Wenn du in der Zeit in eine andere Dimension reisen könntest, wie sähe diese aus?
Johannes Wieland: Ich würde gerne in eine Dimension reisen, die mir die Möglichkeit eröffnet, mich selbst besser zu verstehen. Ansonsten wäre ich offen für Vorschläge.
Roma Janus: Johannes, bis noch vor einem Jahr warst du als Tanzdirektor und Hauschoreograf über 15 Spielzeiten am Staatstheater Kassel tätig. Davor und währenddessen hast du sowohl in Nordamerika als auch in Europa gearbeitet. Nun kehrst du als Gastchoreograf in die institutionelle Theaterstruktur zurück. Wie fühlt sich das an?
Johannes Wieland: 15 Jahre sind eine lange Zeit und man baut viel auf; eine Company, die Arbeit und ein Publikum. Das macht großen Spaß. Ich musste lernen, die Dinge im Kleinen zu managen, aber den großen Bogen nie aus den Augen zu verlieren. Man trägt viel Verantwortung. Verantwortung für die Menschen, die Sparte, das Stück. Es gibt sehr viel Organisation zu bewältigen, den Zusammenhalt zu stärken und Vertrauen zu schaffen. Dinge, die erstmal vordergründig nichts mit Choreografieren zu tun haben. In eine Struktur zurückzukommen wie hier in Linz und sich ausschließlich auf das Stück zu konzentrieren, ist großartig. Ich bin vom Theater hier sehr freundlich und mit offenen Armen empfangen worden. Gibt es einen besseren Start? Die strukturellen Abläufe mit ihren möglichen Schwierigkeiten kann die Kreativität aber manchmal schon bremsen. Ich bin jemand, der gerne nach vorne sieht, freue mich auf das, was kommt, und vermeide es, zu viel zu vergleichen.
Roma Janus: Was für eine Reaktion auf deine Arbeit würdest du dir vom Linzer Publikum wünschen?
Johannes Wieland: Das ist eine interessante Frage. Denn ich wünsche mir keine bestimmte Reaktion irgendeines Publikums. Das Konzept einer Vorstellung beinhaltet ja etwas Unmittelbares und oft auch das Unbekannte, das Neue.
Das Spannende ist, dass man sich gemeinsam mit allen Beteiligten darauf einlässt. Ich mache einen Vorschlag, etwas, woran man sich reiben kann, was man ablehnt oder euphorisch feiert. Aber genauso unvoreingenommen, wie ich es vom Theaterpublikum erwarte, dem Stück zu begegnen, genauso unvoreingenommen und offen bin ich für seine Reaktionen.
Roma Janus: Lauren, dich verbindet eine lange und enge Zusammenarbeit mit Johannes Wieland, als Tänzerin, Probenleiterin, choreografische Assistentin und Dramaturgin. Was ist eine Konstante in der Arbeit von Johannes Wieland? Wie ist seine Handschrift zu definieren?
Lauren Rae Mace: Johannes ist ein konzeptueller Expressionist auf dem Gebiet des Körpers und der Bewegung. Konstante Themen in seinem Werk weisen auf sein Interesse an der tiefen inneren psychologischen Welt des Menschen hin und der Bedeutung oder Bedeutungslosigkeit unserer Existenz in Bezug auf den größeren Rahmen der natürlichen Welt und des Universums. Er ist ein sozialer Kommentator, der auf subtile Weise den Status quo in Frage stellt und es genießt, die menschliche Natur in all ihrer Schönheit und Rohheit zu zeigen.
Wielands Handschrift lässt sich als ironisch, kompromisslos, neugierig, visionär, roh, paradox, herausfordernd, lustvoll und resonant definieren. Geerdete, kraftvolle, gegen-die Wand- schlagende Kompositionen sind zu erwarten. Das Ganze explosiv vertiefend ist die Handschrift von Wieland.
Roma Janus: Worin besteht deine Aufgabe bei dem Stück neuzeit?
Lauren Rae Mace: Die Arbeit einer Tanzdramaturgin bedeutet ständige Entwicklung. Es ist eine Praxis, und die Definition der eigenen Rolle braucht Zeit.
Ich betrachte mich als einen menschlichen Resonanzboden. Johannes und ich besprechen verschiedene produktionsbezogene Aspekte: die Funktion des Bühnenbildes, welche Bildsequenzen im Vordergrund stehen sollen (und warum), wie das Bewegungsmaterial zwischen den Szenen eingesetzt werden soll, wo es ruhigere Momente geben soll, wo es lautere Momente geben soll, welche Aufgaben den Tänzer:innen zuerst gegeben werden sollen, wie die Aufgaben entwickelt werden sollen, welche Qualität der Bewegung in eine bestimmte Szene eingebaut werden soll, was die wichtigsten Emotionen in bestimmten Szenen sind, wie wir Szenen aufbauen und wie sie realisiert werden sollen. Ich leite die Proben, wenn Johannes nicht anwesend sein kann, ich betreue die einzelnen Tänzer:innen beim Erlernen eines neuen Stils und helfe ihnen, die Handschrift von Johannes zu erkennen. Ich bin da, um seine Vision zu unterstützen, Input zu geben und eigene kreative Impulse zu liefern.
Ab 8. Oktober 2022, Großer Saal Musiktheater
Ein Abend Mitte Februar, gleißendes Licht auf der großen Probebühne im Musiktheater. Zwölf männliche Sänger und eine Frau proben den Auftritt der Meister im ersten Akt. Nur wenige Minuten wird jene Szene dieses Mammut-Werkes des Bayreuther Meisters am Premierenabend ausmachen, heute beschäftigt sie die beeindruckende Besetzung einen ganzen Abend lang. Regisseur Paul-Georg Dittrich geht ins Detail.
Die renommierte Dramatikerin Kathrin Röggla ist Salzburgerin (und wurde vielleicht deshalb bisher nicht am Landestheater Linz aufgeführt) und lebt heute in Berlin-Neukölln.
Raffinierte musiktheatralische Canapés waren die mittlerweile selten gespielten Operetteneinakter eines gewissen Jacques Offenbach. Nicht die Qualität seiner leichtfüßigen Miniaturen, sondern die mangelnden Aufführungsorte und -gelegenheiten für dieses Format ließen seine legendären Einakter beinahe in Vergessenheit geraten. Regisseur Gregor Horres kombiniert zwei dieser Mini-Operetten Offenbachs, Nummer 66 und Die elektromagnetische Gesangsstunde, zu einer skurril-absurden menschlichen Jagd nach dem Glück.
Der Stern von Bethlehem, der den drei Weisen den Weg aus dem Morgenland zur Wiege des Jesuskinds gewiesen haben soll, ist wohl das bekannteste Himmelsphänomen, das mit einem irdischen Ereignis verknüpft gewesen sein soll. „Wir haben seinen Stern aufgehen sehen und sind gekommen, ihm zu huldigen“, erklären sie laut Matthäus ihre unerwartete Ankunft in Bethlehem, einem unscheinbaren Vorort der Hauptstadt Jerusalem. Der Stern sei vor ihnen hergezogen und dann über dem „Ort, wo das Kind war“, stehengeblieben.
Jubel, Bravo-Chöre und Standing Ovations gab es vergangenen Samstag (21. Jänner 2023) für Konwitschnys kurzweiliges Opernspektakel La forza del destino im Musiktheater! Auch die Presse war begeistert:
Die einen halten die Oper für das Größte, was die Künste hervorgebracht haben. Die anderen sehen in diesem Genre das Lächerlichste, was im Reich der Musen je geschaffen wurde. Die Vorurteile, die die Gegner des Musiktheaters gerne ins Feld führen, wiederholen in den unterschiedlichsten Variationen Klischees wie etwa das Folgende: Oper ist, wenn sich dicke Sopranistinnen und ebensolche Tenöre durch absurde Handlungen krächzen. Der Hinweis auf die angebliche Leibesfülle der Interpret:innen ist dabei ein klarer Fall der Diskriminierungsform, die man heutzutage als Bodyshaming bezeichnet. Darunter versteht man die Herabsetzung von Mitmenschen allein aufgrund ihrer äußeren Erscheinung. Da dies mittlerweile zu Recht von vornherein als verurteilenswert gilt, muss man auf derartige Beleidigungen, die auf das Aussehen von Opernsänger:innen anspielen, nicht mehr näher eingehen.
Wenn der wortgewaltige Musikkritiker Eduard Hanslick einen jungen und unbekannten Komponisten mit Lob bedachte, dann sorgte das im Wien der Jahrhundertwende für Aufsehen. In der Neuen Freien Presse schrieb er am 28. Februar 1877 von einer „gelungenen Uraufführung der Oper Hermannsschlacht nach Kleists gleichnamigem Drama am Breslauer Opernhaus. Der junge Komponist Hans Rott stößt mit seiner einzigartigen Klangsprache das Tor zu einer neuen Musikwelt auf. Aus tönenden Klangbildern entspringen feinste Melodien, die von der immensen Kreativität des Komponisten zeugen. Die Beifallsstürme und mehr als 20 Vorhänge künden von einer großen Zukunft für den Komponisten und belohnten den Leiter Georg Brandes für seinen Mut, sein Haus einem Unbekannten zur Verfügung zu stellen, um dem musikalischen Fortschritt eine Heimstatt zu bieten.“ Hans Rott machte sich nach diesem durchschlagenden Erfolg daran, seine Oper Julius Cäsar im Auftrag der Wiener Hofoper zu verwirklichen.
Tschaikowsky hielt Dornröschen für sein bestes Ballett. Bereits kurz nach der Uraufführung am 3. / 15. Jänner 1890 am Mariinski Theater in Sankt Petersburg galt Dornröschen in der Choreografie von Marius Petipa als wegweisendes Stück, auf das sich auch Sergej Diaghilew in seiner Arbeit mit den Ballets Russes berufen sollte. Seine Bearbeitung The Sleeping Princess [...]
Bäte man den 10- oder 12-jährigen Nachwuchs, das Wort „Hochstapler“ zu definieren, so erntete man höchstwahrscheinlich folgende rasant erwiderte Antwort: „Hochstapler:innen (Papa, du bist so was von gestern, gewöhn dich endlich mal ans Gendern) sind Leute (Kunstpause), die zum Beispiel außergewöhnlich hohe Jenga-Türme bauen können, die also (triumphierend:) hoch stapeln.“
Gut, wir bereits von Arthritis und Altersflecken geplagten über … äh … 30-Jährigen wissen es natürlich besser – aus etymologischer Sicht leitet sich das stapeln im Hochstapeln auch gar nicht von dem Wort heutiger Bedeutung her.
Am 2. Dezember hat die Komödie Pension Schöller in der Inszenierung von Susanne Lietzow im Schauspielhaus an der Promenade Premiere. Ein Biedermann aus der Provinz kommt in die Großstadt und will endlich auch einmal etwas erleben. Der Ausgangspunkt dieses klassischen Schwankes ist die fixe Idee seines Protagonisten, einmal im Leben ein psychiatrisches Institut zu besuchen und dessen Bewohner ungestört beobachten zu dürfen – damit er, wenn er wieder in seine Heimatstadt zurückkommt, seinen Stammtischbrüdern auch einmal etwas erzählen kann. Sein Traum wird dem Provinzbourgeois aber nicht erfüllt, stattdessen führt sein Neffe ihn in eine Hotelpension und behauptet, dass es sich dabei um das gewünschte Institut und bei den Bewohnern um Patient:innen handele. Aber hier werden die Ereignisse zunehmend grotesk.
Liebe Leser:innen, allein diese Anrede zeigt Ihnen, dass sich auch Ihr Theatermagazin FOYER5 schon vor längerer Zeit dazu entschieden hat, eine möglichst gendergerechte Sprache zu verwenden. Dies geschieht mit der Absicht, mit und durch die Sprache möglichst niemanden auszugrenzen: Frauen, Männer und Mitmenschen, deren Identität sich zwischen diesen beiden Polen bewegt, sollen sich gleichermaßen angesprochen [...]
Mit Biedermann und die Brandstifter, seinem „Lehrstück ohne Lehre“, schuf Max Frisch 1957/1958 ein Modell, das durch Zeitlosigkeit und Allgemeingültigkeit besticht. Ob nun blind aus Feigheit, Trägheit, Dummheit oder tatenlos aus falsch verstandener Toleranz und Höflichkeit – die Biedermänner spielen durch Abducken und Wegschauen eine ebenso fatale Rolle in den Tragödien der Geschichte wie die gesellschaftlichen Brandstifter.
Ein Theaterstück ist ein wenig wie eine Reise: man weiß irgendwann wohin (der Text) und mit wem (die Mitspielenden). Aber damit das auch ein buntes, lebendiges Abenteuer wird und nicht nur vier bis fünf Menschen auf der Bühne stehen, die den Text vorlesen, braucht es noch anderes, das von verschiedenen Menschen beigesteuert wird. Daher packen wir unseren Koffer und nehmen mit:
„Komm mit nach Varasdin! So lange noch die Rosen blüh’n, Dort woll’n wir glücklich sein, wir beide ganz allein! Du bist die schönste Fee von Debrecen bis Plattensee, Drum möcht mit dir ich hin nach Varasdin! Denn meine Leidenschaft brennt heißer noch als Gulaschsaft Und in der Brust tanzt Herz mir Czárdás her und hin! [...]
Seit der Mensch denken kann, versucht er, über seine eigenen Beschränkungen hinauszugehen. Und über die Jahrhunderte und Jahrtausende hat er die erstaunlichsten Mittel und Wege gefunden, seine eigenen Unzulänglichkeiten zu kompensieren. Sei es durch den Einsatz von Feuer und Werkzeugen. Sei es durch die Entwicklung der Medizin. Sei es durch die Erfindung immer effizienterer Kommunikations- [...]
Die südafrikanische Sopranistin Erica Eloff sorgt seit zwei Jahren auf der Bühne des Linzer Musiktheaters für Gänsehaut. Als Leonore, Mimì, Figaro- Gräfin oder zusammen mit Piotr Beczała beim Salzkammergut-Open-Air hinterließ die Sängerdarstellerin unvergessliche Eindrücke. In Korngolds Die tote Stadt ist sie jetzt als Marie / Marietta zu erleben.
Nobelpreisträger Halldór Laxness gilt als der erste isländische Autor der Neuzeit, der Weltruhm erlangte. Sein herrlich leichter und skurriler Ideenroman Am Gletscher aus dem Jahr 1968 über eine Gesellschaft zwischen Volksglauben und Moderne hat Intendant Hermann Schneider in ein Opernlibretto überführt. Michael Obst, dem Linzer Publikum bereits durch seine Vertonungen von Solaris und Die andere [...]
Große Gefühle bei der Premiere von Wie im Himmel. Standing Ovations!
Prächtiges Ensemble – hervorragend, beeindruckend, pulsierend, herausragend und überzeugend!
Mit Lehárs „Das Land das Lächelns“ hat Linz eine grandiose Operette!
Mit Bilder einer Ausstellung schafft Mussorgsky einen klanggewaltigen Klavierzyklus, der in seiner Modernität und Klangfarbigkeit bereits das 20. Jahrhundert vorausahnen lässt. Tanzdirektorin Mei Hong Lin taucht zusammen mit dem Klangkomponisten und DJ RANDOMHYPE choreografisch tief in die Klangmassen des Werks ein, um mit TANZLIN.Z bekanntes Bewegungsmaterial neu zu formen und in einen anderen Kontext zu stellen.
Das Schauspiel des Landestheaters meldet sich mit Gefährliche Liebschaften furios zurück.
Zwei Werke, zwei Komponisten, zwei Frauenschicksale, ein Abend und die große Frage: Wie weit gehen wir für diejenigen, die wir lieben? Dieser Frage widmen sich gleichermaßen berührend wie differenziert Ludwig van Beethovens einzige Oper Fidelio und Mark-Anthony Turnages Dramatische Szene Twice Through the Heart.
„Faust“ als fetzige Ein-Mann-Show, die ihresgleichen sucht!
Mit einer umjubelten Premiere sind wir in die neue Spielzeit gestartet. Danke liebes Publikum für diesen unglaublich herzlichen Empfang bei der ersten Premiere seit sechs Monaten! Und auch die Presse ist voll des Lobes und von unserer Piaf begeistert!
„Heiter bis komisch!“ „Amüsantes Vergnügen garantiert die komische Oper Il Matrimonio Segreto in der BlackBox des Musiktheaters. Das junge Ensemble – Mitglieder des OÖ Opernstudios – glänzte bei der Premiere mit Spielwitz, Stimme und Humor,“ zeigt sich Fred Dorfer von der Kronen Zeitung begeistert. „Die Inszenierung von Gregor Horres beflügelte die Darsteller in den Verstrickungen und heiteren Missverständnissen zu [...]
Und wie sind die Kritiken ausgefallen? Lesen Sie hier das Destillat aus OÖNachrichten, Kronen Zeitung, Der Standard, OÖ Volksblatt und Salzburger Nachrichten nach!
3 Fragen an die musikalische Leiterin Leiterin Katharina Müllner und den Regisseur Gregor Horres
Am Samstag, 22. Februar hatte Elfriede Jelineks Drama Was geschah, nachdem Nora ihren Mann verlassen hatte in der Inszenierung von Charlotte Sprenger seine bejubelte Premiere in den Kammerspielen. In der Titelrolle begeisterte Anna Rieser, NESTROY-Preisträgerin 2019 (Bester Nachwuchs) das Publikum. Hier können Sie die Essenzen aus den Pressestimmen nachlesen.
„Viele Bravo-Rufe!“ „Glücklich ist jene Generation in ferner Zukunft, die Gotthold Ephraim Lessings Aufklärungs- und Toleranztext Nathan der Weise nicht mehr nötig haben wird. Noch sind wir weit davon entfernt, deshalb sei hier die kluge Nathan-Inszenierung von Regisseurin Katrin Plötner empfohlen!“ lautet die Empfehlung von Peter Grubmüller in den OÖNachrichten. In seiner Kritik berichtet er von einem „gescheit [...]
Als „Verdi-Rausch“, als „Perle für das Ohr“ und als „Muss für alle Liebhaber italienischer Oper“ wurde unsere Produktion Il trovatore von der Kritik nahezu hymnisch aufgenommen. Von „Ovationen für die Sänger“ ist zu lesen, und tatsächlich sind an diesem Abend Stimmen aus dem La Fenice in Venedig, aus Paris, aus der Arena di Verona, aus Covent Garden in London und aus dem Großen Festspielhaus in Salzburg zu hören.
Peter Handkes Welttheater „Immer noch Sturm“ feierte eine beeindruckende Premiere in den Kammerspielen
„Bernhards Ritter, Dene, Voss in der fein dosierten Regie von Stephan Suschke ist ein Schauspiel-Kunststück“ „Ohne langen Anlauf entwickelt Suschke zusammen mit Katharina Knap (Dene) und Theresa Palfi (Ritter) eine Atmosphäre, die den noch Abwesenden zum Götzen erhebt, schreibt Peter Grubmüller in den OÖNachrichten. „Behutsam greift Bernhards Witz.,“ heißt es weiter. „Nicht die Brandteigkrapfen zünden das Feuerwerk, sondern [...]
Was für eine spektaküläre Tanzpremiere mit Strawinskys Le Sacre du printemps und Richard Strauss Metamorphosen. Jubel und Beifallsstürme gab es für diesen gelungenden Abend. Auch die Kritiker*innen sind voll des Lobes und zeigen sich begeistert.
Mit Le Sacre du printemps provozierte Igor Strawinsky einen der größten Skandale der Tanzgeschichte. Tanzdirektorin und Choreografin Mei Hong Lin wächst seit vielen Jahren einer eigenen Interpretation dieses Meisterwerkes entgegen. Gemeinsam mit Chefdirigent Markus Poschner und dem Bruckner Orchester Linz stellt sie sich dieser Herausforderung.
Über die Premiere von Giacomo Meyerbeers Le Prophète gehen die Meinungen der Kritiker auseinander – vor allem was die Regie betrifft. Man sollte sich aber ohnehin selbst ein Urteil bilden.
Eine völlig durchgeknallte, aber überzeugende Premiere in den Kammerspielen
Tschick (für alle ab 13) begeisterte in der Bühnenversion auf der Studiobühne Premierengäste und Kritikerinnen gleichermaßen.
Markus Poschner, Chefdirigent des Bruckner Orchester Linz, über Giacomo Meyerbeers packende Oper
Schillers Maria Stuart, in der Inszenierung von Susanne Lietzow, sollte man gesehen haben. Die Premiere wurde bejubelt und die Kritiker*innen sind sich alle einig und voll des Lobes. Fazit: Diese Produktion darf man sich nicht entgehen lassen, so der einhellige Tenor!
Bravo-Rufe und minutenlange Standing Ovations für die mitreißende Premiere des Musicals SISTER ACT
Kraftvolle Perfektion „Man konnte nur staunen bei der Uraufführung des Tanzstücks Yama von Ashley Lobo in der BlackBox des Linzer Musiktheaters,“ zeigt sich Jasmin Gaderer (Kronen Zeitung) begeistert. „So perfekt, so punktgenau saß jede Bewegung der zahlreichen Tänzer, dass man sich als Zuschauer komplett mitreißen lassen konnte von den kraftvollen, archaischen Szenen“, heißt es in der Kronen [...]
Es war die letzte Schauspielpremiere dieser Spielzeit, die für Peter Grubmüller (OÖNachrichten) zum „Schauspiel-Ereignis“ wurde.
Mit Cherubinis packender Oper Médée erlebte man im Musiktheater die letzte Opernpremiere dieser Spielzeit und sie wurde ein großer Erfolg.
Standing Ovations und riesiger Jubel für das Musical „Der Hase mit den Bernsteinaugen“.
Christian Taubenheim glänzt als Banden-Führer in Bertolt Brechts Parabelstück „Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui“
Echte Operettenseligkeit: Jubel für Joseph Beers „Polnische Hochzeit“ in der BlackBox
Begeisterung in Linz für unsere „Penthesilea“
Mythos VOEST – „ein schweres Werk, leicht und unterhaltsam inszeniert“
Begeisterung und Standing Ovations für unser neues Musical
Riesen Erfolg für die amüsante Premiere von Oscar Wildes Komödie „Ernst ist das Leben (Bunbury)“ im Schauspielhaus! Eine ernsthafte Empfehlung!
Sensation, Höchstform, ein Meilenstein – die Premiere wurde zum musikalischen Triumph
Blitzinterview mit Markus Poschner, Chefdirigent des Brucknerorchesters und musikalischer Leiter unseres Opern-Monsters ELEKTRA, kurz vor der Generalprobe am 17.1.
Die erste Premiere im neuen Jahr ist eine gelungene, vielbeklatschte geworden mit feiner Komik und reduziert auf das Wesentliche.
Äußerst unterhaltsam Die Premiere von Der Vogelhändler wurde heftig beklatscht und umjubelt. Das Fazit von Michael Wruss in den OÖNachrichten: „Ein Operettenklassiker mit genialer Musik im klassischen Gewand, der das Publikum restlos begeisterte.“ „Matthäus Schmidlechner macht als Adam eine ideale Figur und tollt mit spürbarem Spaß als Tiroler über die Bühne. ... Wirklich begeisternd war [...]
Lars von Triers Film „Dogville“ als packendes Bühnenstück
Die Premiere von „Ein Amerikaner in Paris begeisterte in Linz“ steht auf der Titelseite der OÖNachrichten. Heftig umjubelt und unter Standing Ovations feierte der „jüngste Musical-Hit“ (Kronen Zeitung) am Sonntag seine deutschsprachige Erstaufführung. „Dieser Amerikaner fühlt sich nicht nur in Paris, sondern auch in Linz sichtlich wohl“, zieht Martin Fichter-Wöß“ Bilanz in der APA. Helmut Atteneder von [...]
Beeindruckende Premiere der Kammeroper „The Transposed Heads“ nach einer Novelle von Thomas Mann. Ein ganz besonderer Theaterabend!
Das Weihnachtsmärchen „Peterchens Mondfahrt“ entzückt und begeistert
Karl Schönherrs Theaterstück tourt durch Wirtshäuser in Oberösterreich
Die Kritiker sind sich einig und überschlagen sich förmlich vor Begeisterung. Für TANZLIN.Z und das gesamte Leitungsteam, allen voran für Starchoreograf Johann Kresnik und Komponist Kurt Schwertsik, gab es bei der Premiere „Jubel“, „Bravi“ sowie „heftigen und frenetischen Applaus!“
Wie aus einem Guss | Großer Beifall für Horváths Kasimir und Karoline im Schauspielhaus
Der Brandner Kaspar und das ewig‘ Leben begeisterte nicht nur das Publikum. Auch die Pressestimmen sind euphorisch und der Meinung, dass sich „Ein Erfolgslauf abzeichnet“ (Neues Volksblatt). Für Philipp Wagenhofer vom Neuen Volksblatt ist „Christian Hilger als Boanlkramer ein Ereignis“. „Es ist eine muntere, mit Pause zweidreiviertel Stunden dauernde Inszenierung, die Markus Völlenklee auf die Bühne zaubert“, so Wagenhofers Resümee.
Das Musical „Ein Amerikaner in Paris“ von George und Ira Gershwin kommt von Paris über New York und London direkt nach Linz
Erfolgreicher Start für das Junge Theater mit gleich zwei Premieren!
„Mit der glanzvollen Premiere von Richard Wagners Oper Tristan und Isolde startete das Linzer Musiktheater in die neue Saison. Das Zentrum des Abends war das Bruckner Orchester unter Markus Poschner.“, heißt es auf der Titelseite des Neuen Volksblatts (Paul Stepanek) , angesichts der Eröffnungspremiere im Musiktheater samt Public Viewing, das zum großen Eröffnungsfest im Park wurde.
Die Uraufführung der Kammeroper Die Wand (Libretto Intendant Hermann Schneider, Musik Christian Diendorfer) feierte am 16. September Premiere in der BlackBox.
Lange beklatschte Premiere: „Die Verfolgung und Ermordung Jean Paul Marats“ im Linzer Schauspielhaus